Michal Batory est né le 25 août 1959 à Lodz, en Pologne. Formé à l’école nationale des Arts plastiques de Lodz, il a bénéficié d’une bourse pour les jeunes artistes attribuée par le ministère de la Culture et de l’Art, qui lui a permis de compléter sa formation. A partir de 1987, il s’est installé à Paris. Depuis 1994, il travaille comme graphiste indépendant et a pour clients des institutions culturelles : Théâtre national de la Colline, Théâtre national de Chaillot, Bibliothèque nationale de France, Cité des Sciences et de l’Industrie, Centre Pompidou, Ircam et Ensemble intercontemporain, Radio France, ministère de la Culture et de la Communication…

Cet ouvrage rassemble de nombreuses affiches et autres œuvres graphiques de cet artiste au graphisme percutant et sensoriel.

« Ce manifeste est un appel, un peu provocateur, destiné à réformer la pratique commerciale des entreprises créatives qui consiste à fournir des idées gratuites par de subtiles présentations – le fameux pitch. Posant le doigt sur les erreurs que la plupart des designers commettent, Blair Enns démontre que, tôt ou tard, les effets pervers de cette stratégie les pénalisent. C’est simplement inefficace, à long terme, pour le développement de l’entreprise créative, explique-t-il. Puis il décrit comment les designers peuvent construire, en douze étapes, une politique commerciale ambitieuse et lucrative, sans se défaire de leur expertise pour rien. L’ultime enjeu est de comprendre comment trouver – ou retrouver – sa liberté de créer tout en prospérant. Cela nécessite peut-être d’opérer une révolution personnelle et d’en avoir le cran. Peu de livres produisent un tel effet positif sur le développement économique et artistique. Celui-ci est à lire avant de foncer tête baissée et à relire dès les premiers coups de blues, par les designers qui veulent se lancer ou ceux qui ont le sentiment que leur entreprise stagne. » François Caspar, designer, professeur, cofondateur de l’Alliance française des designers et chercheur à l’association Moneydesign.

Le graphiste, le designer graphique, le typographe semblent apparaître avec la notion toujours complexe de modernité, en tous cas avec le mouvement d’une industrialisation plus consciente d’elle-même. C’est ce que paraît soutenir le grand défenseur de la modernité, Robin Kinross, lorsqu’il situe les débuts de la modern typography au XVII^e siècle, alors que l’artisan imprimeur sort de son atelier noir pour prendre le recul réflexif du libraire qui édite des contenus ou du typographe qui pense, institue et relaie sa pratique dans des manuels professionnels.

Mais est-ce à dire qu’on ne puisse parler de graphisme avant l’institution de cette modernité et de cette pratique du graphiste ? C’est à cette question intempestive que veut s’attaquer Thierry Chancogne, enseignant et théoricien du graphisme, en tentant de repérer les moments de rupture de phase de l’histoire longue de cette discipline avant même qu’elle ne soit reconnue comme telle.

Premier temps et premier mouvement de cette « histoire », il sera question dans ce recueil de matériaux les plus divers que l’auteur aura pu rencontrer – artistiques, techniques, éthologiques, anthropologiques, psychologiques, archéologiques, etc. – d’envisager la graphie avant l’apparition de l’écriture, de penser le graphisme au temps plus ou moins originel de l’oralité et du mythe, avant la confiscation du logos par le prestige un brin exclusif de l’écriture.

Thierry Chancogne est enseignant et théoricien du graphisme, co-fondateur de la revue en ligne Tombolo, de l’association d’édition Tombolo Presse et du projet de local pédagogique Ravisius Textor.

Le graphisme est avant tout un travail de conceptualisation, s’inscrivant dans un processus de communication, créateur de signes, producteur de sens. Il génère des plus-values esthétiques, artistiques, culturelles, sociales et bien sûr économiques.

Pour toutes ces raisons, il constitue une composante majeure de l’identité éditoriale, de la marque.

Ce livre rappelle d’abord l’histoire du graphisme en montrant comment l’esthétique des couvertures et des mises en page est liée aux évolutions artistiques. En prenant appui sur de nombreuses réalisations et sur des témoignages d’éditeurs et de graphistes, il propose ensuite au lecteur non seulement les règles et connaissances incontournables en matière de typographie, de maquette et de couleur, mais surtout des clés d’analyse pour la conception graphique appliquée à différents domaines éditoriaux.

La question de la relation entre éditeur et graphiste est aussi traitée en accordant une place toute particulière au brief, à la définition des éléments stratégiques, aux aspects contractuels et à l’établissement du devis.

Geneviève Chaudoye est graphiste diplômée de l’école des beaux-arts de Nancy et de l’École nationale supérieure des arts décoratifs. Elle exerce son activité dans les domaines de la communication de l’entreprise, dans l’édition et l’information culturelle.

Comment le logo du Centre Pompidou a-t-il été créé ? Une théorie urbaine peut-elle s’exprimer dans la conception matérielle d’un livre ? Le design graphique a-t-il servi la cause des femmes ? Les textes réunis ici racontent des histoires de signes et d’objets : identités visuelles, affiches et imprimés divers, livres, pochettes de disques ou caractères typographiques. La production de nombreux graphistes est examinée à travers des champs variés, de l’architecture au jazz, de l’art contemporain à la littérature en passant par l’édition pour la jeunesse. Composant majeur de la culture visuelle contemporaine, le design graphique façonne notre environnement : il requiert donc la plus grande attention.

Pour une critique du design graphique rassemble dix-huit essais écrits par l’historienne du design Catherine de Smet depuis le début des années 2000. Publié pour la première fois en 2012, cette édition revue et augmentée inclut trois nouveaux textes, jusqu’à présent inédits ou épuisés.

La typographie est désormais à la portée de tous. Ce sont les informaticiens qui l’ont permis : les matériels sont abordables, les logiciels faciles d’accès. Mais la création graphique, pour être pertinente, demande d’autres connaissances. La machine ne saurait, en effet, remplir d’autre rôle que celui d’exécutant. Qu’est-ce qu’une lettre, comment est-elle constituée, quel rapport entretient-elle avec sa voisine ? Comment adopter un bon format pour une affiche, un catalogue ou un livre, et comment, à l’intérieur, concevoir de belles marges ? Qu’est-ce que la lisibilité ? Quelle est l’origine de tel caractère, dans quel contexte culturel, économique est-il né ? Autant de questions auxquelles cet ouvrage a l’ambition de répondre afin de donner aux nouveaux acteurs de l’informatique graphique, professionnels ou amateurs, les connaissances nécessaires à l’optimisation de leur travail.

En quelques années, le monde de l’information a radicalement changé. La révolution numérique a bousculé nos habitudes de lecture. Les grands journaux tels le New York Times, The Guardian, El Mundo, Die Welt, La Repubblica ou Les Échos ont dû s’adapter, non seulement en devenant multimédias et en développant des applications mobiles et des sites Internet, mais surtout en réinventant le design graphique de leurs publications. Format, typographie, maquette, logo, illustration… tout ce qui concourt à la mise en forme de l’information a été questionné et repensé.

Journaliste et designer graphique mondialement reconnu, Javier Errera retrace cette évolution des grands quotidiens. Portraits des grands designers, décryptages de la mise en page et analyses des grilles offrent une plongée inédite et passionnante au cœur des rédactions du monde entier qui ont mené cette révolution graphique et journalistique.

Avec des articles  d’Alex Breuer, directeur artistique du Guardian (Royaume-Uni),  de Søren Nyeland, rédacteur en chef de Politiken (Danemark) et Simon Esterson, directeur artistique de Eye Magazine (Royaume-Uni).

Léo Favier nous fait redécouvrir Grapus, collectif de graphistes français fondé après mai 68, à l’origine de campagnes pour le Parti communiste français, la CGT et de nombreuses associations. Ils réalisèrent également l’identité visuelle du Parc de la Villette et du musée du Louvre.

Cet ouvrage est la reprise perfectionnée et actualisée du livre Des signes et des hommes, paru en français en 1983. Il s’agit d’une longue réflexion qu’Adrian Frutiger a mûrie au long de sa vie professionnelle de créateur de caractères, d’enseignant et de pédagogue. À travers les trois parties de cet ouvrage, Adrian Frutiger entraîne le lecteur à la découverte de la genèse des tracés pertinents élémentaires et de l’évolution des signes dans la vie des hommes, à travers les millénaires et les cultures de notre planète, et ce que nous en faisons aujourd’hui : comprendre et concevoir un signe, la fixation de la langue par le signe, l’évolution du signe en un symbole, en une marque, en un signal. Un ouvrage de référence, écrit par l’un des plus grands typographes de notre temps.

L’orthographe ne sert à rien. Sauf si l’on comprend mieux ce dont il s’agit lorsque l’on écrit «tonneau d’eau» plutôt que «tonodo».

Il en est de même des règles typographiques qui n’ont d’autre but que de faciliter la lisibilité d’un texte. Or, aujourd’hui, ce ne sont plus des typographes hautement qualifiés qui composent les textes dans la presse et dans l’édition, mais les secrétaires d’édition, les auteurs ou les journalistes eux-mêmes.

Ce petit livre est fait à leur attention. Ils y trouveront, parfaitement classés et illustrés de nombreux exemples, toutes les règles de base de la présentation typographique : l’usage de l’italique, l’emploi des lettres capitales, la manière d’écrire les nombres, les abréviations, la ponctuation, la division des mots et des phrases.

Le graphisme a joué un rôle majeur dans l’histoire de la culture visuelle du XX^e siècle. Moyen d’identification, d’information et de promotion, le design graphique est devenu une profession et une discipline à part entière. Des affiches de la fin du XIX^e siècle aux créations numériques les plus récentes, l’auteur présente une chronologie des arts graphiques pays par pays, méthode qui rend possible une description claire et précise des nombreux mouvements ainsi qu’une mise en contexte des innovateurs les plus importants. Plus de huit cents reproductions, affiches, couvertures de livre, pochettes de disque, publicités, logotypes, identités visuelles, viennent illustrer de façon parfaitement synchronisée les propos du graphiste Richard Hollis. Synthèse indispensable et passionnante pour les étudiants et les professionnels, Le Graphisme de 1890 à nos jours constitue un précieux livre de référence.

Afin de permettre une lecture plus consciente de ce que l’image véhicule, cet ouvrage propose une analyse de l’image fixe (tableau, photographie, affiche, etc.) qui permet, au-delà, d’aborder celle des images animées, notamment au cinéma. L’ouvrage s’interroge sur les diverses significations de l’image et sur les questions que celle-ci soulève : qu’est-ce qu’une image ? Comment l’interpréter ? Quel peut être son rôle et son impact ? Comment sa « lecture » peut stimuler l’interprétation créative ? De nombreux exemples illustrent le propos de l’ouvrage. Nouvelle édition actualisée et enrichie d’une nouvelle analyse de photographie de presse.

Parce qu’il contribue à la mise en forme de contenus et à l’organisation des conditions de circulation des biens matériels et immatériels, le design graphique est toujours une recherche d’équilibre entre son instrumentalisation par les pouvoirs économiques et politiques et l’attitude critique des designers à l’égard de ces pouvoirs. Le vertige naît de la rupture de cet équilibre. Le capitalisme cognitif et l’industrie culturelle connaissent les compétences du design graphique. Assimilé à un emballage créateur de plus-value, il contribue à favoriser l’extension d’un formatage esthétique mondialisé. Faut-il renoncer à la fonction critique du designer ? Y renoncer serait faire le deuil de sa capacité à accompagner les individus dans la lecture de la complexité. Il s’agit d’actualiser cette fonction en investissant ce qui constitue aujourd’hui le terreau commun : la culture numérique.
Elle nécessite la constitution d’une culture qui intègre les nouvelles pratiques inhérentes à la culture numérique, une pensée de la technologie et de nouvelles méthodes d’analyse. Pour cela, faut-il accepter de sortir de son statut et de ses certitudes : s’aventurer dans l’inconnu.

Annick Lantenois est historienne de l’art de formation et enseignante à ‘l’école régionale des beaux-arts de Valence.

Ce livre est un portrait de Michel Bouvet sous la forme d’un récit qui entrelace une double trajectoire : un itinéraire professionnel d’exception, ici abondamment illustré, qui fait de cet artiste depuis trente ans un des graphistes français les plus reconnus dans le monde, et une histoire personnelle reprise jusqu’à ses origines vers une enfance et une adolescence marquées par de tragiques révélations sur fond d’Histoire.
Cet ouvrage dessine un portrait à facettes de Michel Bouvet en graphiste, commissaire d’expositions, metteur en scène d’événements internationaux autour du graphisme, enseignant et pédagogue. Un portrait oui, sans doute, non pas à la manière des peintres un Douanier Rousseau qui fait la part belle à l’imagination et place son sujet dans un environnement luxuriant : ici, ce sera l’atelier, la classe, le livre, la galerie, le musée ou tout simplement le monde, pour lequel Michel Bouvet a toujours ressenti un appétit vorace qui a été nourri à profusion sans jamais éprouver la satiété.

Daniel Lefort, ancien conseiller culturel à l’étranger, spécialiste du domaine littéraire et artistique latino-américain, est également écrivain, chercheur et traducteur. Depuis 1991, année où il a accueilli Michel Bouvet en Amérique latine pour une exposition sur son œuvre, il entretien avec l’artiste des relations de travail et d’amitié.

La communication graphique occupe une place sans cesse grandissant dans l’affirmation de l’identité des lieux de spectacles et des saisons culturelles. Elle offre aux créatifs un formidable terrain d’expérimentation et de recherche.
La Scène a sélectionné les visuels de 200 saisons de spectacles et de concerts en France, qu’il s’agisse de théâtres, de salles ou d’orchestres. Cet ouvrage présente donc les travaux graphiques constitutifs de l’identité visuelle de ces structures qui affirment chacune haut et fort leur personnalité. Un carnet de tendances sur les saisons 2008-2009, reflet d’une grande inventivité. Une source d’inspiration et un outil de créativité pour tous ceux qui travaillent au sein et pour les établissements culturels.

Parmi les publications qui engagent une réflexion sur la diversité des pratiques du design graphique, .txt se présente comme un espace d’écriture proposé aux étudiants de l’option « design graphique » de l’École supérieure d’art et design Grenoble-Valence. Dans les textes de ce deuxième numéro de .txt, écrits par des étudiants de l’École supérieure d’art et design Grenoble-Valence, le design graphique ne sauve pas le monde. En revanche, il accompagne les pratiques (Florent Vicente), soucieux des actions qui parviennent à contourner, détourner les règles économiques (Gwendoline Dulat), attentif à ce dont on ne souhaite pas parler (Cécile Galicher) ou ce à quoi on ne pense pas (Margot Baran, David Vallance). Le design graphique, ici, n’est pas héroïque, il ne se contente pas non plus de proposer des formes que l’on pourrait juger « belles » ou pas. Il se confond avec un projet d’existence, à la fois ambitieux et modeste : celui des auteurs.

Parmi les publications qui engagent une réflexion sur la diversité des pratiques du design graphique, .txt se présente comme un espace d’écriture proposé aux étudiants de l’option « design graphique » de l’École supérieure d’art et design Grenoble-Valence.
À partir de sujets historiques, Sébastien Biniek et Angelica Ruffier amorcent un dialogue avec le présent ; Morgan Prudhomme fait le récit de ses échanges avec des ingénieurs ; Adrien Vasquez et Matthieu Meyer – qui s’entretient avec Paul Elliman – réfléchissent aux contours du design graphique. Ces textes issus de leur projet de diplôme (DNAT et DNSEP) témoignent de l’engagement de leurs auteurs dans les enjeux actuels et notamment ceux de la culture numérique, de la culture technique, de la culture du design. Suivant le principe de la ligne éditoriale, la conception graphique de ce recueil a été assurée par des étudiants de l’école.

Parmi les publications qui engagent une réflexion sur la diversité des pratiques du design graphique, .txt se présente comme un espace d’écriture proposé aux étudiants de l’option « design graphique » de l’École supérieure d’art et design Grenoble-Valence.

Selon une célèbre devise Shadock : « Il vaut mieux pomper même s’il ne se passe rien que risquer qu’il se passe quelque chose de pire en ne pompant pas. » En termes de pédagogie du design, cela pourrait donner : il vaut mieux imaginer/rêver/penser même s’il ne se passe rien que risquer qu’il se passe quelque chose de pire en n’imaginant/ne rêvant/ne pensant pas. Pour inventer. Et pas seulement pour innover. Transformer. Et pas seulement accommoder. Imaginer d’autres pratiques du design, d’autres modes de production, d’autres paramètres d’analyse. Cette imagination, ces rêves, ces pensées sont celles d’étudiants dont les textes publiés dans ce troisième volume .txt témoignent aussi d’une approche critique de notre monde.

Parmi les publications qui engagent une réflexion sur la diversité des pratiques du design graphique, .txt se présente comme un espace d’écriture proposé aux étudiants de l’option « design graphique » de l’École supérieure d’art et design Grenoble-Valence.

Selon une célèbre devise Shadock : « Il vaut mieux pomper même s’il ne se passe rien que risquer qu’il se passe quelque chose de pire en ne pompant pas. » En termes de pédagogie du design, cela pourrait donner : il vaut mieux imaginer/rêver/penser même s’il ne se passe rien que risquer qu’il se passe quelque chose de pire en n’imaginant/ne rêvant/ne pensant pas. Pour inventer. Et pas seulement pour innover. Transformer. Et pas seulement accommoder. Imaginer d’autres pratiques du design, d’autres modes de production, d’autres paramètres d’analyse. Cette imagination, ces rêves, ces pensées sont celles d’étudiants dont les textes publiés dans ce troisième volume .txt témoignent aussi d’une approche critique de notre monde.

Dans les années 1970 et 1980 le collectif Grapus tenta, par son engagement politique et graphique, d’allier utilité sociale et exigence visuelle. Travaux de jeunes chercheurs, les neuf textes qui composent ce livre explorent chacun un aspect particulier de la pratique, de l’organisation et de la production de Grapus.
Ils s’appuient notamment sur des entretiens et sur l’analyse de documents d’archives, et s’intéressent à des pans parfois méconnus de l’activité du collectif. L’ouvrage apporte ainsi un éclairage nouveau, et une iconographie, pour une large part, inédite, sur le travail de ce groupe français singulier qui aura marqué l’histoire du graphisme contemporain.

Chaque année, depuis 1994, chercheurs, sociologues, critiques et professionnels du graphisme partagent leur regard et leurs recherches sur les grandes thématiques qui animent la création graphique dans la revue Graphisme en France, revue annuelle destinée à l’ensemble des professionnels du design graphique et de la communication.

Quelques exemple des thématiques traitées : Graphisme et informatique ; La commande ; Forger une culture graphique ; Graphisme et édition ; L’histoire, une perspective d’avenir  ; Chronologie du graphisme en France au XX^e siècle ; Profession graphiste ; La direction artistique de presse et de magazines…

Les auteurs ont rassemblé et commenté une production d’affiches, de slogans, de visuels divers réalisés à la demande de l’un (Poignant) par l’autre (Le Quernec), dans une relation à la fois professionnelle et extraordinairement libre. Le créateur revendique et explique les choix graphiques de son œuvre par rapport aux messages à faire passer. Le politique raconte, parfois par l’anecdote, toujours pertinente, le contexte qui le conduit à lancer des programmes d’affiches, à faire passer des messages, etc. Il est rare de pouvoir, sur près de quarante années, suivre un parcours aussi «homogène», qui offre une réflexion sur les rapports de la démocratie représentative avec l’image. À noter qu’Alain Le Quernec conserve le plus souvent une trace photographique de ses affiches in situ, ici sur un panneau Decaux, là sur une palissade, manière de mieux retrouver l’esprit du message initial et sa réception publique. C’est donc aussi un livre d’histoire contemporaine en images offertes au regard de tous, sur les murs de la ville et du département : engagements pour l’emploi dans les conserveries ; pour l’IVG ; contre la pollution pétrolière ; contre Plogoff ; ou mobilisations citoyennes pour l’Europe ; contre le racisme, te tabagisme des jeunes, etc.

Les fondamentaux de la création graphique – points, lignes, formes, lumière, couleurs, équilibre, contraste, proportions… – constituent les outils du concepteur grâce auxquels toute œuvre graphique existe et trouve sa signification. À la fois recueil d’idées et livre didactique, cet ouvrage s’adresse à tous les professionnels et étudiants du graphisme, mais aussi des métiers de la communication et de la création (architectes, marketeurs, éditeurs…). Il présente les 26 principes fondamentaux de la création graphique : ce qu’ils sont, pourquoi ils sont importants et comment les employer efficacement. De nombreuses réalisations, choisies à travers le monde et analysées avec soin, ainsi que le portrait d’un créateur qui a marqué l’histoire du graphisme, illustrent chaque chapitre. Un glossaire conclut l’ouvrage. Cette nouvelle édition renouvelle une partie des 300 exemples.

Richard Poulin enseigne le graphisme à la School of Visual Arts de New York. Il est également le directeur artistique et le cofondateur de Poulin + Morris Inc., un cabinet new-yorkais de design, internationalement reconnu. Ses créations ont fait l’objet de nombreux prix et ont été publiées dans différents ouvrages et revues spécialisées, à travers le monde.

Ce livre s’adresse à toute personne, communicant ou designer, amené à penser et à orchestrer la stratégie de marque d’une entreprise, notamment son identité visuelle.

L’ouvrage rappelle tout d’abord les enjeux d’une bonne stratégie de marque et propose une méthodologie de travail en huit points, allant de sa conception à sa mise en œuvre.

Il présente ensuite 34 des réalisations de l’auteur, professionnel aguerri, pour différentes entreprises : Le Furet du Nord, Mondial Tissus, La Cie des Bateaux-Mouches, Les Artisans du mobile… Pour chacune d’elles, il dévoile les coulisses de « l’atelier » du designer et éclaire ses choix en matière de charte graphique, design intérieur et extérieur des points de vente, packaging, édition, publicité…

Le logo, premier vecteur de l’identité visuelle, fait l’objet d’une attention particulière. L’ouvrage est en outre parcouru de pages consacrées aux fondamentaux du design graphique, de l’identité visuelle et du processus créatif.

Avec plus de 400 articles illustrés par plus de 2000 projets, l’Anthologie du graphisme présente un panorama complet de l’univers graphique. Les principes phares qui fondent le langage visuel, les principales sources de connaissance et d’apprentissage, les grands noms de l’histoire du graphisme et de sa culture, et les réalisations emblématiques des soixante dernières années sont compilés dans cet ouvrage clair, pratique et richement illustré. Établissant des passerelles entre la théorie et la pratique, entre l’œuvre et la critique et ,entre hier et aujourd’hui, l’Anthologie du graphisme constitue une bible de l’art graphique, entre ouvrage de référence, recueil d’exemples et source d’inspiration.

Armin Vit a fondé avec Bryony Gomez-Palacio UnderConsideration, un réseau dédié au graphisme, à ses praticiens, ses étudiants et ses aficionados. Ils sont forts d’une expérience de plus de dix ans dans diverses branches du graphisme, de l’identité de marque à la presse.

C’est du renouveau des arts décoratifs en Europe, à l’orée du XX^e siècle, qu’est né le design graphique – terme qui regroupe les arts appliqués au commerce et à l’industrie. Puis c’est entre Moscou, Berlin et Amsterdam, avec pour acteurs dadaïstes et constructivistes et pour lieux de rencontre De Stijl et le Bauhaus, qu’est né le graphisme moderne, à base de collages, de photomontages et d’une nouvelle typographie. Après la Seconde Guerre mondiale et l’exil de la plupart des talents européens vers les États-Unis, ce qui faisait figure d’avant-garde est adopté partout sous le nom de «style international». Et les agences de publicité partent à la conquête du monde…
C’est à cette histoire de «mise en image» des entreprises, qu’elles soient commerciales, culturelles ou institutionnelles, que nous convie Alain Weill, à travers toute l’Europe et les États-Unis, des premiers grands affichistes à l’avènement de l’ordinateur.

La France a été l’un des pôles de l’émergence du graphisme et une terre d’accueil de ses expressions mondiales, mais aucun ouvrage à ce jour n’avait retracé le parcours du graphisme en France. Ce livre présente des créations de 1700 à nos jours dans les domaines les plus divers, de l’affiche et du livre au multimédia, en soulignant les liens avec les arts plastiques, l’architecture, le design, la photographie, le cinéma et la bande dessinée. Cette histoire, très riche d’apports extérieurs, lui donne une certaine universalité, en même temps qu’elle met en valeur le relatif isolement esthétique des différents acteurs français. Le graphisme associé à l’architecture, au design, aux arts du spectacle, est loin d’avoir été chez nous une idée dominante (exception faite de la personnalité de Le Corbusier). À l’inverse, le rayonnement naturel de Paris à l’époque de l’entre-deux-guerres a rendu le panorama foisonnant, à l’image des grandes expositions internationales qui ont rythmé le paysage artistique dès les années 1920, et qui ont rendu le terrain fertile à l’émergence d’une écriture originale et libre. Écriture sublimée au cours des décennies suivantes.